Copia Certificada, estreno comercial

A veces ocurren milagros en la cartelera comercial y este es uno de ellos: el jueves se estrena Copia Certificada de Abbas Kiarostami. Abajo, unas reflexiones de quien firma este blog. Vale decir que en el archivo de abril, una de las entradas es una entrevista con el cineasta iraní.

Fui a ver Copia Certificada con las ansias, y la exaltación de encontrarme con un viejo amor, y con una pregunta: ¿Qué habrá hecho Abbas Kiarostami? Había leído por ahí que este no era el Kiarostami de siempre, que al incorporar actores profesionales (Binoche /Shimell) su obra había perdido ese no sé qué que le daba rodar con intérpretes no profesionales, que la mirada que tiene sobre Italia (el país donde transcurre la película) es turística. En fin… Un sinfín de declaraciones que después de haber visto la película me hacen preguntarme hasta qué punto vi el mismo film. ¿O acaso será, como sugiere Copia Certificada, que no existe el objeto sino la percepción que tenemos sobre el?

Es que me encontré con el Abbas Kiarostami de siempre. En este sentido, y exceptuando el hecho de que en la película hay efectivamente actores profesionales (aunque, para ser más precisos, hay una actriz pues Shimell es – por el momento- más barítono que actor) el resto me pareció "pura" y simplemente otra película de Abbas.

(Shimell, Binoche)

¿Por qué? En primer lugar por la presencia del auto. A pocos minutos del comienzo los actores deciden emprender un viaje en auto e inician allí una conversación. Es en el auto, como en Ten, como en El sabor de las cerezas, como en Y la vida continúa, como en Bajo los Olivos donde los personajes empiezan a intercambiar opiniones, pareceres, ideas a propósito, en este caso, de qué es lo original, y qué es la copia. El tema que los reunió pues ella es historiadora de arte, y James un reconocido escritor cuyo libro le da título al film.

En segundo lugar porque la mirada sobre la región es contraria a la mirada turística: desde el auto solo se ven árboles al costado de una ruta, y el pueblo al que llegan es mostrado casi exclusivamente a través de ciertos interiores (un museo, una capilla, un café, un restaurant), pero nunca a través de un plano general como lo haría una postal turística. Incluso, la misma película cuestiona la mirada turística: A "Jim" no solo no le interesa "el cuadro" del museo del lugar que "Marie" le muestra (una copia que se creyó original por muchos años y es una suerte de Mona Lisa de la Toscana, y el "chiche" del lugar), sino que tampoco lo que el guía dice, ni el vino rosado que, supuestamente, es una especialidad de la región.

Por supuesto, hay novedades. La más visible es el tono de comedia, pero podemos enumerar otras: la relación de los personajes con el espacio y el conflicto entre un hombre y una mujer. Porque más allá de que la película es una gran disertación a propósito del original y la copia (una pregunta que en realidad es bien propia del cineasta sino la cita que abre este texto), emerge una reflexión sobre la manera en que las personas se relacionan con los espacios en una situación de coqueteo.

Es que la película comienza en una conferencia, y termina en el cuarto de un hotel. Con otras palabras, empieza en un lugar impersonal y público y termina en un espacio más íntimo. A estos personajes, que por momentos están actuando ser un matrimonio, este último espacio los condiciona, los "fuerza" a compartir cierta intimidad. Por otro lado, es la primera vez en su filmografía que un hombre y una mujer, que se atraen y se rechazan, que tienen algo en común, discuten explícitamente sobre estos temas. En Ten on Ten el cineasta sugiere que mientras El Sabor de las cerezas es una película masculina, Ten es una película femenina. ¿Será ésta, acaso, su masculino/femenino?

Hay otros interrogantes que quedan flotando en el aire al nivel de la trama ¿Eran esposo y esposa y en realidad el juego era jugar a no serlo? ¿Y si estaban separados y la película trata de ese reencuentro? ¿Cuál es la relación original, y cuál es la copia? Los personajes especulan a propósito de estas cuestiones, pero las respuestas quedan del lado del espectador. Un espectador al que la película, como a sus protagonistas, deja encerrado en el cuarto de hotel, como invitándolo a resolver sus propios asuntos.

Copyleft Lorena Cancela

Críticos

Pequeño adelanto del próximo libro de quien firma este blog.

"La crítica nos enseñó a que nos gustaran a la vez Rouch y Eisenstein. A ella le debemos no excluir determinado aspecto del cine en nombre de otro aspecto distinto. (…) Nosotros, por nuestra parte, somos los primeros cineastas que sabemos que Griffith existió." Jean Luc Godard

(Jean Luc Godard)

Críticos

Para algunos cahieristas como Chabrol, la crítica no era un fin en sí mismo. Revisando algunas de sus declaraciones, se encuentra que consideraba a la crítica un medio para la realización. Sin embargo, eso no impidió que en la cultura se instalara la figura del crítico de cine. Y que se asociara, fundamentalmente, a las voces que a mediados del siglo XX surgían en los periódicos con el carisma y la vehemencia suficiente como para convencer a un espectador de ir a ver una película, o para convencerlo de que desestime determinada película. Pero en el siglo XXI el mapa es distinto.

Críticos de aquí y allá, señalan que en sus países los diarios les quitan espacio a las crónicas cinematográficas. Y ese espacio no es ocupado por un texto periodístico sino por publicidad que, incluso, puede venir disfrazada con la aureola de la información, pero no deja de ser advertising. Seguramente el lector recuerde las páginas aparentemente dedicadas a brindar información de ciertas películas, pero la información dada es, en realidad, "bajada" por las compañías productoras, o distribuidoras. En textos así no hay elaboración, o investigación por parte del cronista.

Ahora bien, esto ¿implica que la crítica de cine se está extinguiendo? A nuestro criterio, la crítica de cine como disciplina no se está extinguiendo. La crítica de cine logró un lugar en la Historia del Cine. Nadie duda que gracias a ella directores, movimientos, escuelas trascendieron lo coyuntural. La crítica de cine tiene su historia y ha contribuido a que el cine sea mejor y más amplio. Entonces, la pregunta sería: ¿Es la figura del crítico de cine la que se está extinguiendo? No. Fundamentalmente porque hay personas que se definen y sienten críticos de cine, y con justa razón. Aunque su rol, su espacio de acción, y su esencia están mutando.

A nuestro criterio, es crítico de cine aquel que trabaja en la esfera, el área de influencia o el campo de la crítica de cine. ¿Y cuál es ese campo? Ni más ni menos que el cine mismo a lo largo y a lo ancho. Es decir, no exclusivamente las películas a las que accedemos cada jueves, o miércoles dependiendo el país. Considerar la crítica de cine como una suerte de superestructura les permitirá a los críticos entrar o salir de ella cuantas veces quieran. Y a la persona que trabaja en ese campo, esta postura también le va a quitar la presión social de ser algo más allá de sí mismo: no olvidemos que el que siempre trata de etiquetar es el mercado.

Describir cuáles serían los aspectos del film que un crítico debería considerar no es tarea fácil, y ha sido objeto de controversia a lo largo de la Historia del cine. Sin embargo, podríamos enumerar cuáles son los aspectos no exclusivos. Por ejemplo, dar cuenta de la historia, lo que pasa con los actores, o si la fotografía de la película es linda o fea. Adjetivos que, en definitiva, no aportan nada a la cultura fílmica y dicen más del estado actual del campo intelectual que del cine mismo.

Premios Cóndor de Plata a la producción 2010

El lunes pasado, en el Teatro Avenida, se entregaron los Premios Cóndor de Plata a la producción 2010. Los ganadores y ganadoras ya circularon por distintos medios y no insistiré en ello. Pero sí me gustaría describir o señalar algunos de los momentos que me parecen significativos cinéfilamente. Uno de ellos tiene que ver con el Premio a la Trayectoria a Manuel Antín, fundador de la Universidad del Cine en la década de los '90, y de lo que él mismo define como cine de escuelas.

/Manuel Antín. Foto: Nestor Barbitta)

El Sr. Antín es, sin dudas, una referencia clave al momento de analizar eso que se ha llamado nuevo cine argentino. De hecho, uno de los ganadores de la noche por Mejor Película y Mejor Director: Pablo Trapero, que no se hizo presente de ninguna manera, estudió en la institución mencionada, y fue uno de los referentes de ese nuevo cine. El cineasta recibió el reconocimiento de la mano de José Martinez Suárez, actual presidente del Festival de Cine de Mar del Plata. El hecho es significativo porque José, junto con Manuel, son dos de los representantes de lo que en la década de los '60 también se llamó nuevo cine argentino, o cine de la calle, o callejero en oposición al cine de estudios de entonces que estaba transitando su ocaso.

Hay personas que critican a los Cóndor. Yo misma no me identifico en todo, o con todo, con el o los premios, u otros diretes, pero entiendo que eso es, justamente, lo que los hace interesantes. Además con el tiempo voy entendiendo que la propia historia del Cóndor de Plata, y que se pueda reconocer a un hombre de cine como Antín justifican el esfuerzo y, como se dice en lunfardo, "garpan" el hecho de que el Cóndor siga existiendo. Por otro lado, Manuel y José fueron los más cómicos de la noche. El último al decir algo así como que dos centenarios de cine se saludaban, y Manuel al bromear con que iba a estar presente espiritualmente pero no le quedó otra que estar presente, ambos en referencia a sus más de 80 años.

(Foto: Nestor Barbitta, Teatro Avenida)

Otro momento significativo fue cuando se le entregó el Premio a la Trayectoria a Nélida Romero que supo ser la esposa y actriz de muchas de las películas de Carlos Schlieper. Éste cineasta es, para algunos críticos e historiadores locales, uno de los primeros directores femenistas del cine nacional, y que su viuda y musa, a su edad, haya aparecido para ser reconocida fue un gran momento. Aparte porque Nélida conserva su simpatía. Otra de las homenajeadas fue Enriqueta Muñiz, periodista que recordó su pasó por la crítica y los cine-debate que se organizaban en la Asociación de Cronistas Cinematográficos de la Argentina, de la mano de Leo Sala y Sanmaritano, y que formaron a tanta gente.

Lamentablemente al subir Jana Bokova no se especificó por qué entregaba el premio al Mejor Guión, pero vale decir que fue invitada porque 10 años atrás se llevó un Cóndor de Plata al Mejor Guión por su película Diario para un cuento, una ficción sobre relatos de Julio Cortázar realizada por esta checa que vive en Buenos Aires y es apasionada al tango. Desde ya, la conducción de Rádice y Marcovsky fue bien atinada teniendo en cuenta lo dificultoso que es siempre conducir un evento de estas características.

Para terminar, es pertinente señalar que el Cóndor de Plata no es la única actividad que realiza la Asociación de Cronistas Cinematográficos de la Argentina. De hecho, lo largo del año, ACCA organiza ciclos, como el de Cine Chileno, o participa de festivales, como el Tándil Cortos, o produce mesas de reflexión sobre la crítica actual como las que se organizaron en las dos últimas ediciones del Festival de Cine de Mar del Plata. Por último, quiero agregar que pronto subiré un texto que versa sobre los críticos en la era digital que la entidad publicó este año en el Catálogo de los Cóndor.

　

Teclópolis, Mejor Cortometraje Cóndor de Plata 2010

(Ganadores cortometraje)

                                                      
Teclópolis de Javier Mrad junto a Can Can Club se llevó el Cóndor de Plata 2010 al Mejor Cortometraje. Compitió junto a Composición para goteras en lluvia sostenida de grupo Humus, Trata de Victor Postiglione y Ana y Mateo de Natural Arpajou. Todos los cortos se pueden ver aquí:

http://www.cronistasdecine.org.ar/content/view/197/1/

Al evento también asistieron a retirar sus diplomas el maestro Antonio Gasalla y la Sra, Graciela Borges, y se encontraban en el Auditorio del Colegio Público de Abogados los actores y actrices Luciano Cáceres, Gloria Carrá, Ana Celentano, Julieta Zylberberg, Cecilia Rosetto, María Laura Cáccamo, Martín Slipak, Diego Reinhold, Guadalupe Docampo, y Ezequiel Tronconi, entre otros representantes del cine argentino.

(Antonio Gasalla, Graciela Borges)

Quien firma este blog se sintió satisfecha por co conducir el evento junto a Luciano Majolo. El antecedente más directo del Premio Cóndor de Plata data del año 1943 cuando los cronistas de entonces dicidieron entregar dos medallas de oro a la Mejor Película Nacional, e Internacional. Así, las ganadoras fueron La guerra gaucha de Lucas Demare y ¡Qué verde era mi valle! de John Ford.

(Luciano Majolo, Lorena Cancela)

Ver, pensar, hacer: Tucumán ve y filma

El pasado fin de semana largo (17, 18 y 19 de junio) se realizó con mucho éxito, en el Centro Cultural Juan B. Terán, la primera edición del proyecto Ver, pensar y hacer: Tucumán, ve y filma. El mimo fue organizado por el Ministerio de Desarrollo Social de La Nación, a través de la Dirección Nacional de Juventud, la Asociación Cine Tándil, y Aldea Productora.

El encuentro consistió en capacitar a más de 100 jóvenes en las áreas de guión, cámara, sonido, fotografía, edición y dirección. La propuesta - novedosa para Amércia Latina porque no se exigía ningún antecedente previo en el área, todos los asistentes tuvieron acceso a equipos, y la inscripción era totalmente gratuita - convocó a jóvenes de la ciudad de Tucumán, pero también de las locaciones aledañas e, inclusive, de la provincia de Salta. En el cierre la Directora de Juventud, Laura Braiza, pronunció unas palabras, y destacó a la mentora del proyecto Carolina Zarzoso Paoloni (Dinaju) y el productor Luciano Majolo (ACT).

(Néstor Granda, Lorena Cancela)

Quien firma este blog, se sintió satisfecha y contenta de poder aportar a un proyecto de estas características donde aparte de lo mencionado se fomentó el hecho de pensar y reflexionar sobre cuestiones que hacen a la construcción de una mirada reflexiva alejada de los parámetros hegemónicos. Y donde, en el marco de la nueva Ley de Medios Audiovisuales, se fomentó la producción y creación de contenidos propios. Basta mirar la diversidad de los cortometrajes, que pronto circularán, para constatar esta hecho.

Conversación con Patricio Guzmán

(La foto fue tomada en la entrada del desaparecido Atlas Santa Fe y es gentileza de Fernando Calzada)

Patricio Guzmán es uno de los documentalistas más importantes de América Latina, y quizás del mundo. Autor de varios de trabajos, ha pasado a la Historia por uno en especial: La Batalla de Chile que da cuenta del surgimiento de Salvador Allende, y los sucesos posteriores. Guzmán pasó por Buenos Aires a dictar un seminario, y a presentar su último trabajo: Nostalgia de la Luz (http://canonesmarchitos.blogspot.com/2011/04/bafici-2011-primera-parte.html), otro alegato por la memoria y la justicia, y un trabajo de excelencia cinematográfica. Aquí un fragmento de la nota publicada en el número de Mayo de la revista Caras y Caretas.

L.C: Las protagonistas de Nostalgia de la luz son mujeres que buscan a sus desaparecidos en el desierto del norte de Chile.  ¿Por qué eligió centrarse en este grupo?

P.G: Hay mujeres que buscan a sus desaparecidos a lo largo de todo el país, pero en el Norte, como la materia no se corrompe, los cuerpos están momificados. Por otro lado, en el desierto hay muchas líneas de relato: están los arqueólogos, los geólogos, los astrónomos, los exploradores, y las viejas minas de salitre que en el S.XIX florecieron, cada una con un pueblo, y hoy están abandonadas. Yo pensé que ese territorio era privilegiado porque el pasado reinaba, pero lo que me provocó el deseo de filmar allí fueron los observatorios astronómicos.

L.C: ¿Usted es aficionado a la astronomía, no es cierto?

P.G: Sí, soy aficionado desde pequeño, tengo un telescopio pequeño y sé algunas cosas. Los telescopios son ventanas donde se ve a millones de años luz atrás. Sin embargo, un astrónomo nunca habla con un arqueólogo y las mujeres tampoco hablaban con los científicos. Lo que yo hice fue cruzar esas líneas y al cruzarlas apareció la historia.

L.C ¿Cómo fue filmar en el desierto?

P.G: No fue difícil porque éramos cuatro y teníamos un buen vehículo con unas cuantas provisiones. Hay que tener en cuenta que si te quedás allí no te pueden rescatar porque no hay, ni siquiera, señal de celular. Pero en la noche parábamos en hoteles que hay por la zona. En realidad, lo más difícil de filmar en el desierto fue la luz porque te impide filmar al mediodía. Solo se puede filmar en el alba, y al crepúsculo.

L.C: O sea ¿uno de los sentidos del título de la película viene de ahí?

P.G: El título de la película tiene tres vertientes: Una, la nostalgia del cosmos, de la luz que viene de tan lejos, otra la de los huesos que están enterrados que también tienen luz. Por último, es una reflexión sobre cuando yo era niño donde Chile era un país muy luminoso, muy institucionalizado. Después, con el pretexto de barrer a Allende, Pinochet barrió con todo: con el registro electoral, los sindicatos, las universidades, el parlamento, los partidos políticos.

Coleccionismo, Alfredo Li Gotti. Una pasión cinéfila

(Alfredo Li Gotti)

La semana que viene se estrena este documental cuyo uno de sus temas es el coleccionimo.

La vida de cualquier persona es interesante y si tiene un berretín lo es aún más. Al menos así lo entendió el profesor universitario Roberto Ángel Gómez  que en el documental: Alfredo Li Gotti, una pasión cinéfila, recurre al hombre del título para que cuente su historia como coleccionista de cine durante más de 70 años.

Pero no solo la vida del protagonista es la que está puesta en valor sino lo significa ser coleccionista y sus matices. Así son consultados otros representantes de la materia. Uno de los aspectos  interesantes del documental, de sesgo didáctico, es diferenciar, por ejemplo, la acumulación de  DVD`s, y de películas en 35 mm. Es sabido, adquirir una película en 35 mm., no solo es más costoso sino también más complicado.

Por supuesto, el gusto por mirar en 35 mm, o en DVD, también es otro de los tópicos. Alfredo defiende el visionado en 35 mm. comparándolo con el digital porque considera que la profundidad de campo no se aprecia de la misma manera, y reivindica asimismo el contacto táctico con el soporte al momento de montar la torta (la lata de la película).

Para algunos, el documental quizás tendrá un halo nostálgico. Y es medio inevitable, para el que tuvo, o tiene, abuelos de la edad de Alfredo (o para el que está sufriendo el cierre de la sala Atlas Santa Fe - la última que quedaba en la calle que supo albergar 7 cines en un radio de tres manzanas-) no apegarse sentimentalmente a la Buenos Aires que describe, o a esa cinefilia a prueba de todo (incluso del trabajo más rutinario).  

De todas maneras, aunque enuncie sus dudas, el documental se proyecta, a través de la presencia del nieto del protagonista, hacia el futuro.  Alfredo Li Gotti, una pasión cinéfila solo se proyectará en dos salas: El Cosmos U.B.A, espacio y el Malba, al que le interese el tema ya sabe a dónde ir.

Copyleft Lorena Cancela